Die Ausstellung spannt einen Bogen von den Miniatur-Särgen Kudjoe Affutus (*1985) aus Ghana bis hin zu Andy Warhols (1928–1987) ikonischem Porträt Jackie von 1964. Erstmalig in Deutschland sind die Schrift-Arbeiten der mit dem Turner-Prize 2019 ausgezeichneten britischen Künstlerin Helen Cammock (*1970) zu sehen. Von besonderer Aktualität ist zudem die Werkserie von bearbeiteten Fotografien aus dem Syrien-Krieg von Khaled Barakeh (*1976), die das jahrhundertealte Bildmotiv der Pietà (italienisch für Frömmigkeit, Mitleid) aufgreift. Eine speziell für die Ausstellung entstandene Klanginstallation der schottischen Turner-Prize-Trägerin Susan Philipsz (*1965) lässt im Lichthof der Galerie der Gegenwart die alte Tradition des Wehklagens (engl. keening) aufleben. Der Japaner Seiichi Furuya (*1950) webt persönliche Verlusterfahrung (den Selbstmord seiner Frau) und den Abgesang auf eine politische Gesellschaftsstruktur (DDR) ineinander. In eindrucksvollen Bildern verbindet die international renommierte Künstlerin Maria Lassnig (1919–2014) den persönlichen Verlust ihrer Mutter mit einer grundlegenden Infragestellung ihrer künstlerischen Schaffenskraft. In dem Film I’m too sad to tell you (1970/71) wirft Bas Jan Ader (1942–1975) Fragen nach Privatheit und Öffentlichkeit, nach Konvention und Peinlichkeit, nach Grenzen der Sprache sowie der Darstellbarkeit auf. Die eindrucksvollen, großformatigen Fotografien der amerikanischen Künstlerin Anne Collier (*1970) sind auf der Grundlage von Comics aus den 1950/60er Jahren entstanden und entblößen die mediale Umsetzung einer weinenden, jungen und schönen Frau als kühle Konvention und geschlechtsspezifisches Rollenbild.

Die Werke machen deutlich, dass die Art und Weise des Umgangs mit Trauer, ihrer Darstellung und ihrer Wertung abhängig vom kulturellen, gesellschaftlichen und politischen Umfeld ist und Rückschlüsse auf gesellschaftliche Miss- und Zustände zulässt. Die enorme Vielschichtigkeit des Themas wird anhand von Kapiteln wie »Melancholie und Trauer«, »Trauer und Geschlecht«, »Kollektive Trauer«, »Trauer und Protest«, »Formen des Abschieds«, »Die Unfähigkeit zu trauern« veranschaulicht. (…)

Mit Werken von Bas Jan Ader, Kudjoe Affutu, Khaled Barakeh, Christian Boltanski, Helen Cammock, Anne Collier, Johannes Esper, Sibylle Fendt, Seiichi Furuya, Paul Fusco, Felix Gonzalez-Torres, Aslan Ġoisum, Ragnar Kjartansson, Maria Lassnig, Jennifer Loeber, Ataa Oko, Adrian Paci, Philippe Parreno, Susan Phi-lipsz, Greta Rauer, Willem de Rooij, Michael Sailstorfer, Thomas Schütte, Dread Scott, Rein Jelle Terpstra, Rosemarie Trockel, Tilman Walther und Andy Warhol.

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500 Werke von 53 Künstlern und Künstlerinnen sollen an vier Standorten einen Überblick über den aktuellen Stand der jungen in Deutschland entstandenen Malerei geben. Im Kunstmuseum Bonn, dem Museum Wiesbaden und den Kunstsammlungen Chemnitz – Museum Gunzenhauser werden bis zum 19. Januar 2020 die teilnehmenden Künstlern und Künstlerinnen mit jeweils mindestens drei Arbeiten parallel ausgestellt. Eine Auswahl der Werke mit über 150 Werken wird dann ab dem 14. Februar 2020 in den Deichtorhallen Hamburg zu sehen sein. Drei zentrale Prämissen leiten dieses Ausstellungsprojekt: Erstens geht es um die Malerei als Bild, also nicht um installative oder multimediale Erweiterungen des Mediums. Die zweite Prämisse betrifft das Alter der Teilnehmer*innen und konzentriert sich auf die Generation der seit den späten 1970er-Jahren geborenen Künstler*innen. Die dritte Voraussetzung betrifft den geografischen Rahmen der Ausstellung. Dass dieser sich auf Deutschland beschränkt, resultiert allein aus der Notwendigkeit, das Untersuchungsgebiet überschaubar zu halten. (…)

Mona Ardeleanu, Israel Aten, Paula Baader, Lydia Balke, Cornelia Baltes, Jagoda Bednarsky, Viola Bittl, Peppi Bottrop, Andreas Breunig, Paul Czerlitzki, Benjamin Dittrich, Jens Einhorn, Jenny Forster, Pius Fox, Max Frintrop, Sabrina Fritsch, Ina Gerken, Fabian Ginsberg, Gregor Gleiwitz, Lukas Glinkowski, Sebastian Gögel, Henriette Grahnert, Dana Greiner, Vivian Greven, Toulu Hassani, Sabrina Haunsperg, Franziska Holstein, Aneta Kajzer, Sumi Kim, Maximilian Kirmse, Li-Wen Kuo, David Lehmann, Benedikt Leonhardt, Florian Meisenberg, Monika Michalko, Hannes Michanek, Simon Modersohn, Bastian Muhr, Anna Nero, Moritz Neuhoff, Vera Palme, Alexander Pröpster, Franziska Reinbothe, Daniel Rossi, Markus Saile, Moritz Schleime, Jana Schröder, Daniel Schubert, Kristina Schuldt, Alicia Viebrock, Stefan Vogel, Jonas Weichsel, Tristan Wilczek.

Parallel zur Ausstellung JETZT! JUNGE MALEREI IN DEUTSCHLAND wird das Projekt QUADRO mit Arbeiten von Kerstin Brätsch, Kati Heck, Stefanie Heinze und Laura Link gezeigt. Die Ausstellung wurde unabhängig von der JETZT!-Ausstellung zusammengestellt und ist als Antwort auf die vorhergehende Ausstellung DIE JUNGEN JAHRE DER ALTEN MEISTER mit Werken von Georg Baselitz, Anselm Kiefer, Sigmar Polke, und Gerhard Richter, zu sehen. Was dort an Grundlagen der deutschen Malerei zu sehen war, wird hier in die Gegenwart überführt.

Die Ausstellung QUADRO beantwortet beispielhaft die Frage, welche Formulierungen, Formeln und Symbole  die Malerei aktuell geschaffen hat, um die Betrachter in figurative, neo-surrealistische oder experimentelle Bilder zu ziehen. (…)

Der Kunstverein in Hamburg zeigt die erste deutsche Einzelausstellung von Matheus Rocha Pitta (*1980 in Tiradentes, lebt und arbeitet in Berlin und Rio de Janeiro). In seinen Skulpturen verwendet er häufig Zeitungsausschnitte aus seinem Archiv, die unterschiedliche alltägliche Gesten zeigen. Er verwendet sie in gegossenen Betonplatten verschiedener Größen und Formen, auf denen er das Material zu mehrschichtigen Kompositionen anordnet. Als Artikulationen von Körper und Sprache haben diese Gesten weitreichende ethische und politische Implikationen. Mit seinen versteinerten Collagen konstruiert Rocha Pitta Geschichten, Erinnerungen und Szenarien, die verschiedene Formen von Autoritarismus, Fehlinformation, Ausbeutung und Ungerechtigkeit reflektieren und sich ihnen widersetzen.

Quelle: Kunstverein in Hamburg. Motiv (part of the original image): © Matheus Rocha Pitta

Eröffnung: 14. Februar, 19.00
Di bis So und an Feiertagen 12.00 bis 18.00 (Änderungen möglich).

www.kunstverein.de

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Die Ausstellung „Streamer“ ist ein Blick in digitale Strukturen, hinter die Kulissen der Realität und in kollektive Wahrnehmungen.  In der galerie postel wird die Wirklichkeit auf die Probe gestellt: Sebastian Neubauer, Daniel Vier und Svenja Wassill hinterfragen in ihren Arbeiten unsere Wahrnehmung. Was ist Assoziation, was Realität? Und was der (virtuelle) Raum dazwischen?
Was könnte harmloser sein als eine weiße Plüschfigur? Und was lieblicher, als eine Melodie? Svenja Wassills Gizmos wären so niedlich wie das Original aus dem Film Gremlins von 1984, hätten Sie denn ein Gesicht. Die Künstlerin spielt mit der zweiten Ebene, dem Unheimlichen und Unterbewussten.
Daniel Vier erweitert seine Gemälde um die Dreidimensionalität des Reliefs. Seine architektonisch angelegten Abstraktionen spielen mit der Illusion von Perspektive und Raum und was wie archaische Strukturen wirkt, hat seine Assoziation in den Architekturen der digitalen Welt.
In Sebastian Neubauers Arbeiten trifft Trash auf Pop- und Hochkultur. Er überführt Alltagsgegenstände in die griechische Mythologie, das Internet in den Galerieraum und holt das Twittern zurück in die Vogelwelt.

Quelle: Claudia Postel Galerie. Motiv (part of the original image): © Sebastian Neubauer, Daniel Vier

Eröffnung: Mi, 19. Februar, 19.00
Mi, Fr ab 17.00. Do ab 20.00. Sa ab 15.00
www.galeriepostel.de

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Mit rund 400 Exponaten von rund 200 Künstler*innen und Designer*innen bietet die Ausstellung Das Plakat. 200 Jahre Kunst und Geschichte einen groß angelegten Überblick über die Geschichte des Plakates von den Anfängen im frühen 19. Jahrhundert bis heute. Im Plakat treffen Kunst und Geschichte, Design und Werbung aufeinander. Plakate begleiten politische Ereignisse genauso wie die Film- und die Theatergeschichte. Sie dokumentieren die gesellschaftliche Entwicklung und spiegeln nicht zuletzt die Kunst und ihre wechselnden Stile. Porträts von Politiker*innen findet man auf Wahlplakaten, die von Musiker*innen auf Konzertplakaten, die Industrie wirbt für ihre neuen Produkte, die Tourismusbranche für die schönsten Reiseziele und selbst für Websites wird mittlerweile mit Plakaten geworben. Es gibt keine zweite Kunstgattung, die bis heute unseren Alltag in einer solchen Breite begleitet.

Der polnische Plakatkünstler Jan Lenica sagte 1966: „Das Plakat hat zweifellos eine Funktion, es hat eine Aufgabe, und dieser Pflicht muss es gerecht werden. Aber seine Bedeutung liegt nicht in dem, was es zu vermitteln hat, sondern darin, was es selbst zu sagen hat.“ – Was es selbst zu sagen hat: Die Botschaft guter Plakate ist mehrschichtig, sie geht über die bloße Werbung hinaus und macht Aussagen über die Zeit, über die Gestaltung, über Geschichte, Mode oder Geschmack. Dieser ‚Mehrwert‘ ist es, der aus einem Plakat ein Kunstwerk machen kann.

Die Höhepunkte der Plakatgeschichte liegen im Jugendstil um 1900, im Art Déco und der Avantgarde der 1920er Jahre und erneut in den 1960er Jahren. Immer wenn sich, wie im Jugendstil, in der Bauhaus-Zeit oder zur Zeit der Pop Art, Kunst und Alltag besonders nahekommen, verschwimmen die Grenzen zwischen angewandter und freier Kunst. Es können Plakate entstehen, die bis heute als künstlerische Höhepunkte ihrer Zeit gelten. Dazu gehören die berühmten Lithografien von Toulouse-Lautrec oder Alfons Mucha genauso wie dreißig Jahre später die Filmplakate der Brüder Stenberg in Moskau oder die Kompositionen von Cassandre in Paris. Die Ausstellung stellt die führenden Plakatkünstler*innen, von denen die meisten in Deutschland viel zu wenig bekannt sind, mit typischen und wichtigen Werken aus der Sammlung des MKG vor. (…)

Quelle: MKG Hamburg. Motiv (part of the original image): © Henning Rogge

Di bis So, 10.00 bis 18.00. Do bis 21.00. Do an oder vor Feiertagen bis 18.00 (Änderungen möglich).

www.mkg-hamburg.de

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Mit seinen illustrativen, comicähnlichen Acrylbildern spannt Christian Junghanns einen Bogen zwischen analoger und digitaler Zeichnung und kombiniert Computergeneriertes mit flächiger Malerei. Junghanns Motive sind dabei vielfältig. Ob Landschaftsbilder, Porträts oder auch Kassenbons oder schottische Tartans – Christian Junghanns prescht leichtfüßig, farbenfroh und gleichwohl reduziert voran und schafft Werke, die sich oftmals erst vollständig im Kopf des Betrachters zusammensetzen.

Geboren wurde Junghanns in Hannover, studierte Visuelle Kommunikation an der Hochschule für Bildende Künste in Berlin und arbeitet heute als freier Künstler und Gestalter in München. Seine Bilder werden national und international ausgestellt, unter anderem bereits mehrfach in der Royal Academy of Arts in London. Dass Junghanns auch richtig große Formate bedienen kann, hat er in Hamburg bereits unter Beweis gestellt. Fünf jeweils 400qm² große Asphaltzeichnungen von ihm finden sich in der Hamburger Hafencity. Für seine Werkschau im Oberfett an der Großen Elbstraße wird es etwas kleiner. (…)

Quelle: OBERFETT. Motiv (part of the original image): © Christian Junghanns

OBERFETT
Bis 01. März im OBERFETT | Elbe. Danach im Oberfett Altona.
Öffnungszeiten: Sa, So 12.00 bis 18.00 und nach Vereinbarung (Kontaktmöglichkeiten s.u.).

www.oberfett.de
OBERFETT auf Facebook

Über OBERFETT: Mit einer eigenwilligen Kunstsammlung, neuen Themen und spannenden Künstlern eröffnete Christian Pfaff 2016 den interdisziplinären Schauraum OBERFETT als Ort der Möglichkeiten. Gezeigt wird, was gezeigt werden muss – und nicht zwingend das, was markttauglich ist. Im Fokus des ambitionierten Ausstellungsbetriebs stehen Ideen, Konzepte und Chancen interessanter Kunst im Dialog. In den neuen Räumlichkeiten an der Großen Elbstraße in Hamburg-Altona werden ab Januar 2020 auf knapp 300 Quadratmetern sowohl Künstler aus Altona, Hamburg, Deutschland als auch internationale Kulturschaffende zu sehen sein. Die kommenden Veranstaltungen Hamburgs größter Off-Galerie werden von Ausstellungen, Events, Lesungen, Artist-Talks bis hin zu Filmvorführungen, Kammerkonzerten und Performances reichen.

In der Arbeit „Bebra Curiosa“ von Axel Beyer ist nichts, wie man es erwartet. Kleinbürgerliche Architekturen und Interieurs gehen ineinander über und verbinden sich zu einem Raum, in dem jegliches Gefühl für Größenverhältnisse und perspektivische Zuordnung außer Kraft gesetzt ist. In der nordhessischen Kleinstadt Bebra fand der Fotograf das fotografische Ausgangsmaterial für seine Kompositionen: gemusterte Tapeten und stoffbespannte Lampen, heruntergelassene Holzrollläden und skurril verkleidete Hausfassaden. Spielerisch setzt er diese Elemente zu neuen Räumen zusammen. In „Bebra Curiosa“ wird die Welt zum Modell, zu einem Miniaturwunderland, das die Wahrnehmung herausfordert. Durch die anfängliche Irritation und Desorientierung eröffnen sich neue und ungewohnte Perspektiven auf den Kosmos Kleinstadt – mitsamt seiner Kuriositäten und seinem ganz speziellen Charme.

Bebra liegt in der Mitte Deutschlands und ist den meisten Leuten als Eisenbahn-Knotenpunkt bekannt. Gigantische Gleisanlagen erinnern an die großen Zeiten. Ende der 80er Jahre verlor Bebra, auch unter dem Einfluss der Wiedervereinigung, zunehmend an Bedeutung.

„Das Projekt „Bebra curiosa“ entstand durch meine persönliche Beziehung zu diesem Ort in Hessen: Die Familie meiner Frau wohnte hier. Ich fühlte mich gleich beim ersten Besuch aufgerufen, diese Kleinstadt fotografisch zu dokumentieren. Einige Interieurs habe ich im Haus meiner Schwiegereltern aufgenommen als dieses aufgelöst wurde. Mir ging es bei dem Projekt darum, die tatsächlich vorgefundenen Absurditäten vieler Szenen zu einem Substrat zu verdichten und dabei doch die besondere Atmosphäre dieses Ortes zu vermitteln.“ Axel Beyer

Quelle: VisuleX Gallery for Photography. Motiv (part of the original image): © Axel Beyer

Vernissage: Do, 05. März, 19.00
Fr 15.00 bis 18.00. Sa 13.00 bis 17.00
www.visulex.net

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Dark Patterns“ ist ursprünglich ein Benutzerschnittstellen-Design, das sorgfältig darauf ausgelegt ist, einen Benutzer dazu zu bringen, bestimmte Tätigkeiten auszuführen, die dessen Interessen entgegenlaufen. Es gehört zu den Antimustern, welche jedoch oft ganz bewusst eingesetzt werden.

Ähnlich geheimnisvoll und irreführend sind viele der Zeichnungen und Malereien der drei Künstler. Auch bei ihren Arbeiten ist oft nicht alles wie es scheint und der Betrachter muss darauf achten das er nicht auf den „falschen“ Weg gerät, das er nicht den ausgelegten Ködern hinterher trottet um dann auf Abwegen zu landen.

In altmeisterlicher Manier benutzt Eiko Borcherding alle Techniken im Umgang mit dem Zeichenstift. Er zaubert Kompositionen aus dem Reich des Symbolischen und Märchenhaften, aber auch von unheilvollen Geschehnissen aus der Natur, von Flora und Fauna auf das Papier. Der gewählte Bildausschnitt ist Teil der künstlerischen Gestaltung und bricht mit klassischen Perspektiven. Der präzise Strich, die feine Schraffur gehört genauso zu Eiko Borcherdings Repertoire wie auch die Drucktechniken der Radierung oder Monotypie. Tierwelten, aufwändige Blumengebinde, Faltenwürfe schwerer Stoffe und Kostüme bilden sich dekorativ oder in ästhetischer Überhöhung auf dem Papier heraus.

Olaf Hajek schafft als Illustrator visuelle Muster, Szenen und kreative Charaktere, in denen Natur und Kunst miteinander verflochten sind. Er sammelt überall mentale Bilder: auf Reisen, in Zeitschriften und Büchern oder im Internet. Afrikanische Traditionen, indische Tempelkunst, südamerikanische Folklore und Popkultur kommen in seinen fast surrealen Bildern auf neue Weise zum Ausdruck. Er spielt dabei mit Motiven der Flora und Fauna, archaischen Symbolen und aktuellen Themen. Alle Arbeiten dieser Ausstellung sind auf Holzplatte erstellt, die mit Acryl Farbe und Strukturen vorbereitet worden sind. Danach erfolgte die Zeichnung mit Bleistift und/ oder Buntstiften.

Andrey Klassen schafft in seinen schwarzen Tuschemalereien Zwischenwelten: Durch zahlreiche Ebenen entstehen präzise und geheimnisvolle Räume. Das Bildgeschehen eröffnet eine sich widersprechende Atmosphäre von hell und dunkel. In anscheinend kurzlebigen Situationen hält Andrey Klassen das Leben fest und zeigt wesentlich mehr als das Dargestellte. Mit akkurater Verspieltheit bringt der Maler entrückte Charaktere zusammen. Allerdings bleibt es nicht bei einer eindeutigen Bestimmbarkeit des Dargestellten: Andrey Klassen scheint nicht zu werten. Alles ist so wie es ist. (…)

Quelle/Text: Feinkunst Krüger, Dr. Annette Baumann, Katharina Ritter. Motive (parts of the original image): Olaf Hajek „Entführung“, 2019. Andrey Klassen „Die Profis“, 2018.

Vernissage: Sa, 07. März, ab 20.00.
Do und Fr 12.00 bis 19.00, Sa bis 18.00 (Änderungen sind möglich).

www.feinkunst-krueger.de

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Innehalten, Verweilen, Stillstehen. – Das ist oft gar nicht so leicht. „Stillleben sind der Anfang von allem“, so Van Gogh im Winter 1884/85. Im Genre des Stilllebens werden Objekte der Natur und des alltäglichen Lebens detailverliebt zum Ausdruck gebracht. Zugleich beinhaltet das Stillleben verschlüsselte Botschaften, die über das Dargestellte hinausreichen: Zwischen der Opulenz, die die Freuden und Genüsse des Lebens vor Augen führen, werfen sie leise auf die eigene Vergänglichkeit zurück (lat.: memento mori). Der Begriff stil leven (niederl.: stil = unbewegt und leven = Leben) tauchte erstmals um 1650 in Holland auf und wurde mit dem deutschen Wort ‘Stillleben’ und mit ‘still life’ ins Englische übersetzt.

Die Ausstellung »Stilles Leben« stellt nun eine neue Lesart jenes Kunstgenres vor. Die Kuratoren der Ausstellung, Künstler Elmar Lause und Galerist Marcus Schild, verbindet ihre Begeisterung an skurrilen, gefundenen Dingen und geben den verschiedensten Interpretationen jenen ‘stillen Lebens‘ Raum: Mit Wortwitz und untypischen Objektdarstellungen werden Dinge in den Fokus gerückt, die oftmals ungesehen bleiben. Auch Landschaftsmalereien und Stadtbilder werden als Spielarten des ’Unbewegten’ vorgestellt. (…)

Florian Eymann, Heiko Müller, Brigette Hoffman, Justine Otto, Jakobus Durstewitz, Diego Palacios, Coco Bergholm, Corinna Holthusen, Marc Burckhardt, Rune Christensen, Björn Holzweg, Doppeldenk, Elmar Lause, Magda Krawcewicz, Wojtek Klimek, Christian Voigt, Johannes Philipp Speder, Sinkachu und Alex Kiessling.

Quelle: Affenfaust, Helene Osbahr. Motiv (part of the original image): © Christian Voigt

Vernissage: Sa, 07. März, 19.00 bis 23.00.
Sa 14.00 bis 18.00 während Ausstellungen (Änderungen möglich).

www.affenfaustgalerie.de

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Als unmittelbare Zeugin und Betroffene des Krieges um Nagorno-Karabakh (Berg-Karabach) seit Ende des 20. Jahrhunderts ist Satenik Ghulijanyans künstlerisches Schaffen durch diese Vergangenheit beeinflusst. Die Notwendigkeit, sich in fremden Kulturen zurecht zu finden und ihre Rolle als europäische Frau neu zu definieren, birgt für sie die ständige Herausforderung, diese biografischen Brüche in ihrem künstlerischen Tun aufzuarbeiten. In ihren Portraits und szenischen Kompositionen finden sich eindrückliche Anspielungen auf ein menschliches Seelenleben, das sich in seiner Geschichte zwischen den Gefühlen von energischer Lebensbejahung und trostloser Leere bis in die Gegenwart behaupten mußte. In ihren direkt im Freien entstehenden Landschaftsbildern öffnet sie jedoch ihr Herz ganz weit und läßt die Natur Armeniens erahnen; ein Blick in eine arme, aber glückliche Kindheit. (Text im englischen Original: Arsen Hayrapetyan).

Satenik Ghulijanyan
*1985 in Armenien, seit März 2012 in Europa, zunächst in Frankreich, später in Deutschland. Durch ihren Vater, Leiter einer Kunstschule, seit ihrem 6. Lebensjahr mit der Malerei vertraut. Studien in Modedesign (Universität Yerevan), Malerei und Skulptur. 2008-2012 Kunstlehrerin in Armenien. 2012 Geburt ihrer Tochter.

Ausstellungen
Seit 2013 Ausstellungen in der Schweiz, Deutschland, Armenien und USA, u.a.:
2018 Nationalgalerie Armenien in Alaverdi
2019 Teilnahme an der New York Art Grand Opening, USA

Quelle: Galerie Hafenliebe. Motiv (part of the original image): Satenik Ghulijanyan, Öl auf Leinwand.

Weitere Ausstellungen in der Nachbarschaft im Forum StadtLandKunst, Galerie Glassart.
Öffnungszeiten: Fr bis So, 12.00 bis 18.00

www.galerie-hafenliebe.de

Die Künstler Andreana Dobreva und Alexandre Karaïvanov betiteln ihre gemeinsame Ausstellung mit einem Zitat des amerikanischen Malers und Moderatoren Bob Ross (The Joy of Painting): „Happy painting and God bless”. Dobreva und Karaïvanov könnten in ihrer Technik, Motivik und Thematik nicht unterschiedlicher sein. Ihre Gemeinsamkeit finden sie in ihrer Freude an der Kreation.

Dunkle Hintergründe, düstere Gesichtszüge, dann plötzliche grelle Farben. Verzerrte Minen, rätselhafte Blicke, geheimnisvolle Szenerien. Andreana Dobrevas Arbeiten existieren in einer eigenen Welt, die ihren individuellen Regeln zu folgen scheint. Der Betrachter braucht einige Augenblicke, um das Sichtbare einzuordnen. Die Künstlerin fängt Momente ein, die mal alltäglich, mal skurril anmuten oder auf dieser Grenze oszillieren. Ihre Portraits sind bestimmt von einem eigenen Farbschema, das erdige dunkle Nuancen mit rosagelblichen Akzenten auf verstörende Art und Weise mischt, teils mit ironischen Komponenten und neuen Bedeutungsebenen. 

Alexandre Karaïvanov zieht trashige Fotos als Vorlage heran. Ausschnitthafte und zugleich voyeuristische Blicke in schmuddelige Zimmerecken, auf Nachttische, S-Bahn-Sitze, unter Waschbecken, in Geschirrspüler, Pissoirs. Manche Motive lassen an Tatort- oder Schadenfotos denken. Immer wird der Blitz draufgehalten und lässt das ohnehin Desolate in einem schalen und zugleich schonungslosen Licht erscheinen. Es stellt sich die Frage, ob solche motivische Schäbigkeit die Adelung durch den Aufwand und die Akribie, welche der Fotorealismus dem Künstler abverlangt, überhaupt verdient. In den Buntstiftbildern erscheinen zwei Künstlertypen zugleich, derjenige, der uns die hässliche Seite vor Augen führt, unseren Blick auf das stößt, was wir lieber verdrängen oder im Verborgenen halten und derjenige, der sein Können unter Beweis stellen will, in einem hehren, traditionellen Sinn. (…)

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Mit der Ausstellung „Gute Aussichten“ 2019/2020 zeigt das Haus der Photographie wieder die Preisträger und Preisträgerinnen des des renommierten Nachwuchspreises für Fotografie-Absolventen. Im 16. Jahr von „Gute Aussichten“ wählte die Jury aus 82 Einreichungen von 36 Hochschulen neun Preisträger und Preisträgerinnen aus: »Krieg und Frieden in Zeiten globaler Desinformation« ist der rote Faden, der sich durch die Ausstellung 2019/2020 zieht und die Werke miteinander verknüpft. (…)

Das Haus der Photographie zeigt die Arbeiten der »recommended – Olympus Fellowship«-Stipendiaten/innen. Karla Hiraldo Voleau, Tobias Kruse und Mika Sperling wurden von den Kuratoren der drei renommierten Fotografie-Institutionen Haus der Photographie, Foam Fotografiemuseum Amsterdam und dem Fotografie Forum Frankfurt ausgewählt.

Das zum zweiten Mal vergebene Stipendium setzt sich für die Förderung der zeitgenössischen Fotografie im künstlerischen Bereich ein. Neben den jeweiligen Ausstellungen in Hamburg, Frankfurt und Amsterdam erhalten die Fotografen/innen über ein Jahr lang persönliche Coachings, Beratung und Schulungen von den internationalen Kuratoren sowie eine Erweiterung der fototechnischen Ausstattung.

Die in diesem Jahr ausgestellten Künstler verarbeiten die eigene Wahrnehmung und Reflexion über Themen wie Liebe, Familie, Zuhause, Migration, Toleranz und Umwelt in ihren Werken. Tobias Kruse zeigt in seiner Werkgruppe eine persönliche Annäherung an Ostdeutschland und findet in Schwarzweiß-Aufnahmen ein symbolisches Scharnier zwischen Vergangenheit und Gegenwart. Karla Hiraldo Voleau beschäftigt sich mit Liebe in Geschlechterrollen und zwischenmenschlichen Beziehungen am Beispiel der Dating-Kultur in Japan und die in Hamburg lebende russisch-deutsche Fotografin Mika Sperling untersucht biografisch die Komplexität von Multikulturalität, Identität und der Interaktion der Werke mit ihrem jeweiligen Betrachter.

Tobias Kruse (*1979, Waren (Müritz), Deutschland) studierte Grafik-Design und Fotografie an der Ostkreuzschule Berlin und ist Mitglied bei Ostkreuz – Agentur der Fotografen. Er arbeitet an persönlichen, künstlerisch-dokumentarischen Fotoprojekten und »verbindet die großen gesellschaftlichen Fragen unserer Zeit mit einer seiner Bildsprache innewohnenden explosiven Poesie«, so Ingo Taubhorn, Kurator am Haus der Photographie / Deichtorhallen Hamburg.
Zum Videoporträt von Tobias Kruse

Mika Sperling (*1990, Norilsk, Russland) studierte Kommunikations-Design an der Hochschule Darmstadt und Fine Arts am San Francisco Art Institute. Sie arbeitet biografisch und untersucht die Komplexität von Multikulturalität, Identität und Ort am Beispiel ihrer eigenen Erfahrung. »Sperling repräsentiert eine neue Generation von Foto-Essayisten, die historische und biografische Referenzen aufgreifen und mit neuen Medien kombinieren, um die Interaktion mit dem Betrachter zu erweitern«, sagt Celina Lunsford, Kuratorin des FFF.
Zum Videoporträt von Mika Sperling

Karla Hiraldo Voleau (*1992, Santo Domingo, Dominikanische Republik) studierte Fotografie an der École de Condé, Paris und an der ECAL in Lausanne. Ihre Arbeiten drehen sich um Identität, Verwundbarkeit und Liebe sowie Geschlechterrollen und Mechanismen in der Beziehung zwischen Frauen und Männern. »Sie ist ihre eigene Protagonistin, und diese Position macht ihre Arbeit zutiefst persönlich«, so Kim Knoppers, Kuratorin am Foam.
Zum Videoporträt von Karla Hiraldo Voleau (…)

Quelle: xpon-art. Motive (part of the original image): Teilnehmende Künstler, Collage: Hamburg2go.

Online-Vernissage: 26. März, 20.00.
Die Ausstellung ist danach in 360 Grad auf der Homepage von xpon-art zu sehen.
Laufzeit und Finissage: Noch offen.

www.xpon-art.de

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