Die Ausstellung zeigt Werke aus über sechzig Jahren des künstlerischen Schaffens von David Hockney (geb. 1937): Frühe Arbeiten als Kunststudent bis hin zum großformatigen Panorama In The Studio von 2017. Sie gibt einen Einblick in Hockneys Vielseitigkeit als Maler, Grafiker und Zeichner. David Hockney hinterfragt bis heute die Natur des Sehens und Darstellens. Auftakt der chronologisch angelegten Ausstellung ist Woman with a Sewing Machine von 1954, eine von Hockneys frühesten Druckgrafiken, in der als Modell seine Mutter Laura Hockney erscheint, die er noch zahlreiche Male porträtieren sollte. Ausgehend von dieser frühen Arbeit und selbstreferentiellen Werken wie Doll Boy (1960-1961, Hamburger Kunsthalle) wird zunächst beleuchtet, welcher Entwicklung sich Hockneys Kunst während seines Studiums an der Bradford School of Art und am Londoner Royal College of Art unterzog.

Inspiriert von Picasso löst er sich bereits in dieser Zeit von der gängigen Vorstellung des einzigartigen Stils eines Künstlers. Den Eindrücken einer New York-Reise in 1961 widmet die Ausstellung ein Kapitel, ebenso wie seiner frühen Los Angeles-Phase oder seinen Kavafi-Radierungen: 1964 zieht Hockney das erste Mal an die Westküste der USA. Es entstehen Darstellungen von intimen häuslichen Szenen wie etwa in der Arbeit Man in Shower, Beverly Hills (1964). Hier beginnt auch Hockneys lebenslange Faszination für die Schwierigkeiten der Darstellung von transparenten Oberflächen und Wasser. Ausgedehnte Reisen und lange Auslandsaufenthalte schlagen sich von nun an immer wieder auf die Wahl seiner Methoden, wie auch auf die Wahl seiner oft aus literarischen Quellen stammenden Themen nieder.

In den 1980er Jahren studiert Hockney eingehend chinesische Rollbilder. Die daraus gewonnenen Erkenntnisse bestätigen ihn in seiner Auseinandersetzung mit der Perspektive. Er schafft vom Kubismus geprägte querformatige Kompositionen mit perspektivisch gestreckten Panoramen von Innen- und Außenräumen. Exemplarisch dafür wird die Serie von Lithografien mit dem Titel Hotel Acatlan in der Ausstellung gezeigt. Das durch die fotografischen Experimente angefachte Interesse an kubistischen und dekonstruktivistischen Darstellungsweisen überträgt er auch in seine Porträts und Stillleben, denen ebenfalls ein Kapitel der Schau gewidmet wird.

Wehrte sich Hockney zu Studienzeiten noch gegen die Abstraktion, drückt er Anfang der 1990er Jahre Gefühle und Geisteszustände in abstrakten Formen aus, anstatt sie figurativ zu illustrieren. Ende der 1990er Jahre widmet sich Hockney neben den Landschaften seiner Heimat Yorkshires auch dem Grand Canyon, der schon seit den 1980er Jahren sein Motiv ist. Eine Woche lang fertigt er dort Ölpastell-Studien an. Darauf basierend entsteht das großformatige A Closer Grand Canyon (1998, Louisiana Museum of Modern Art in Humlebæk), das den Abschluss der Ausstellung darstellt. (…)

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Die Ausstellung spannt einen Bogen von den Miniatur-Särgen Kudjoe Affutus (*1985) aus Ghana bis hin zu Andy Warhols (1928–1987) ikonischem Porträt Jackie von 1964. Erstmalig in Deutschland sind die Schrift-Arbeiten der mit dem Turner-Prize 2019 ausgezeichneten britischen Künstlerin Helen Cammock (*1970) zu sehen. Von besonderer Aktualität ist zudem die Werkserie von bearbeiteten Fotografien aus dem Syrien-Krieg von Khaled Barakeh (*1976), die das jahrhundertealte Bildmotiv der Pietà (italienisch für Frömmigkeit, Mitleid) aufgreift. Eine speziell für die Ausstellung entstandene Klanginstallation der schottischen Turner-Prize-Trägerin Susan Philipsz (*1965) lässt im Lichthof der Galerie der Gegenwart die alte Tradition des Wehklagens (engl. keening) aufleben. Der Japaner Seiichi Furuya (*1950) webt persönliche Verlusterfahrung (den Selbstmord seiner Frau) und den Abgesang auf eine politische Gesellschaftsstruktur (DDR) ineinander. In eindrucksvollen Bildern verbindet die international renommierte Künstlerin Maria Lassnig (1919–2014) den persönlichen Verlust ihrer Mutter mit einer grundlegenden Infragestellung ihrer künstlerischen Schaffenskraft. In dem Film I’m too sad to tell you (1970/71) wirft Bas Jan Ader (1942–1975) Fragen nach Privatheit und Öffentlichkeit, nach Konvention und Peinlichkeit, nach Grenzen der Sprache sowie der Darstellbarkeit auf. Die eindrucksvollen, großformatigen Fotografien der amerikanischen Künstlerin Anne Collier (*1970) sind auf der Grundlage von Comics aus den 1950/60er Jahren entstanden und entblößen die mediale Umsetzung einer weinenden, jungen und schönen Frau als kühle Konvention und geschlechtsspezifisches Rollenbild.

Die Werke machen deutlich, dass die Art und Weise des Umgangs mit Trauer, ihrer Darstellung und ihrer Wertung abhängig vom kulturellen, gesellschaftlichen und politischen Umfeld ist und Rückschlüsse auf gesellschaftliche Miss- und Zustände zulässt. Die enorme Vielschichtigkeit des Themas wird anhand von Kapiteln wie »Melancholie und Trauer«, »Trauer und Geschlecht«, »Kollektive Trauer«, »Trauer und Protest«, »Formen des Abschieds«, »Die Unfähigkeit zu trauern« veranschaulicht. (…)

Mit Werken von Bas Jan Ader, Kudjoe Affutu, Khaled Barakeh, Christian Boltanski, Helen Cammock, Anne Collier, Johannes Esper, Sibylle Fendt, Seiichi Furuya, Paul Fusco, Felix Gonzalez-Torres, Aslan Ġoisum, Ragnar Kjartansson, Maria Lassnig, Jennifer Loeber, Ataa Oko, Adrian Paci, Philippe Parreno, Susan Phi-lipsz, Greta Rauer, Willem de Rooij, Michael Sailstorfer, Thomas Schütte, Dread Scott, Rein Jelle Terpstra, Rosemarie Trockel, Tilman Walther und Andy Warhol.

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New Japanese Painting bringt vier herausragende künstlerische Positionen der zeitgenössischen japanischen Malerei zusammen und ermöglicht einen Einblick in aktuelle Themen und Fragestellungen der Kunstszene des Landes. Entsprechend reichen die Arbeits- und Lebensmittelpunkte der vier Künstler von Sapporo im Norden über Nara im Zentrum bis Fukuoka im Süden Japans. Ihre Arbeiten zeichnen sich allesamt durch konzeptionelle und gestalterische Komplexität sowie scharfsinnige Fragestellungen aus, so etwa zur Rolle des Selbst im künstlerischen Schaffensprozess (Yumi Nakata), dem Status der Malerei im Zeitalter von Facebook und Instagram (Taishi Urakawa), zur Relativität der Dinge und ihrer künstlerischen Darstellbarkeit (Yuki Yamamoto) sowie einer Neubewertung der Möglichkeiten visueller Zeichen (Chisei Kobayashi). Arbeiten der Künstler Yumi Nakata, Taishi Urakawa und Chisei Kobayashi werden mit New Japanese Painting erstmals außerhalb Japans gezeigt.

小林知世
CHISEI KOBAYASHI
(*1994, Sapporo, lebt und arbeitet in Sapporo, Japan) ist fasziniert von der emotionalen Wirkung visueller Zeichen sowie von Vorahnungen und Stimmungen, die uns im Alltag unverhofft überkommen und mit Worten allein nicht zu fassen sind. Und dennoch sucht die Künstlerin seither mithilfe von Zeichnungen, Malerei und Installationen das festzuhalten was eigentlich nicht festgehalten werden kann. Während einer Künstlerresidenz 2018 in Portland, USA entwickelte Kobayashi reges Interesse an Graffiti, deren Sinn für sie aufgrund mangelnder Sprachkenntnisse verborgen blieb. Was bleibt, fragte sie sich, wenn Zeichen ihrer Bedeutung beraubt werden? Kann Schrift auch dann noch etwas vermitteln, wenn sie gänzlich frei entsteht? Ein künstlerisches Experiment, das diesen zentralen Fragen ihres Schaffens nachgeht, ist ihre zeichnerische Dokumentation von Geräuschen oder Gesprächen auf der Straße. Was entsteht sind schriftähnliche Zeichen, die jedoch nicht auf konventionelle Weise gelesen werden können. Die Hand der Künstlerin fungiert eher wie die Nadel eines Seismographen, die registriert, wenn Stimmungsschwankungen auftreten.

中田有美
YUMI NAKATA
(*1984, Nara, lebt und arbeitet in Nara, Japan) beschäftigt sich in ihrer Ölmalerei intensiv mit dem Selbstporträt sowie dessen Geschichte und potentielle Zukunft. Im Mittelpunkt steht die Rolle des Künstlers als kreativ schaffendes Individuum. Ist das Selbst heute noch eine Voraussetzung für Malerei? Lässt sich das Ich – etwa durch die Anwendung äußerer Regelsysteme – vom Malprozess trennen? In ihren Arbeiten bricht die Künstlerin vehement mit den Regeln des klassischen Selbstporträts, stellt dieses sozusagen auf den Kopf und bringt dabei das Gleichgewicht ihrer Bilder immer wieder gezielt aus der Balance. Nakata geht soweit, dass ihre Arbeiten äußerlich nichts mehr mit konventionellen Selbstbildnissen gemein haben. Seit 2014 arbeitet die Künstlerin an einer Serie, die sie Background of Back- ground nennt. Diese umfasst Kombinationen aus Ölmalerei auf Leinwand mit dahinter platzierten, großflächigen Inkjet-Drucken. Die Rolle der Wand als Bedeutungsträger im Kontext der Präsentation von Kunst wird hier neu ausgelotet.

浦川大志
TAISHI URAKAWA
(* 1994, Fukuoka, lebt und arbeitet in Fukuoka, Japan) arbeitet an der Frage, ob unser alltäglicher Gebrauch von Internet und Smartphone die Art und Weise verändert hat, wie wir Menschen unsere Umwelt bewerten und wahrnehmen. Zentral ist dabei die Frage nach der Stellung des Bildes im Zeitalter von Facebook, Twitter und Instagram. Die von Walter Benjamin bereits 1935 verloren erklärte Aura des Kunstwerks sieht Urakawa heute umso mehr in Frage gestellt, da uns das iPhone Kunst heute wortwörtlich zum Anfassen nah gebracht hat. Urakawa plädiert angesichts dessen für eine Neuauswertung der Malerei im Zeitalter der sozialen Netzwerke. Dabei greift der Künstler technisch interessanterweise auf eine Form der kritischen Affirmation zurück, die bei näherem Hinsehen manch einen an die konsumkritische Kunst der New Yorker sechziger Jahre des letzten Jahrhunderts erinnern mag. So bedient er sich für seine Malerei eben jener Bildquellen, die es kritisch zu beurteilen gilt: Facebook, Google Image Search, iPhone Camera Rolls, etc. In einer Maltechnik, die virtuelle Pinselfunktionen des Gestaltungsprogramms Adobe Illustrator nachahmt, schafft Urakawa zeitgenössische Landschaftsgemälde, deren Bildräume eindeutig nicht der natürlichen, sondern virtuellen Welt zuzuordnen sind.

山本雄基
YUKI YAMAMOTO
(*1981 Obihiro, lebt und arbeitet in Sapporo, Japan) widmet sich in seiner Arbeit der geometrischen Figur des Kreises, mit dessen Hilfe er Bildräume schafft, in denen sich die runden Scheiben in unterschiedlichster Farbigkeit, Deckkraft und Größe anordnen. Im direkten Gegenüber besitzen seine Gemälde eine bemerkenswerte Tiefenwirkung. Es hat den Anschein, als habe Yamamoto in den hauchdünnen Farbschichten die Informationen unendlicher Räume komprimiert. Doch um welche Räume handelt es sich? In der Unmöglichkeit einer genauen Beantwortung dieser Frage, liegt die Raffinesse der Arbeiten. Yamamotos Kunst ist Ausdruck einer tiefen Faszination für die Relativität der Dinge. Alles existiert in einem Zustand des Dazwischen. Seine Bildräume zitieren zwar die Natur, repräsentieren jedoch Räume, die in ihr so nicht vorkommen. Nicht umsonst verwendet der Künstler im Zusammenhang mit seinen Arbeiten gern den Begriff der Singularität. Mit diesem werden in der Physik und Astronomie Punkte im Universum beschrieben, die aufgrund ihrer enormen Gravitation allgemeingültige, physikalische Gegebenheiten außer Kraft setzen – man denke an schwarze Löcher – und folglich außerhalb unseres Raumzeitkontinuums existieren.

Quelle: Mikiko Sato Gallery. Motive (part of the original image): © Chisei Kobayashi, Yumi Nakata, Taishi Urakawa, Yuki Yamamoto.

www.mikikosatogallery.com

Eröffnung: Fr, 07. Februar 2020, ab 18.00.

Di bis Fr 14:00 bis 19:00, Sa 13:00 bis 18:00
und nach Vereinbarung
U3 – Steinstraße (3 Minuten)
U1, U3, S-Bahn – Hauptbahnhof (5 Minuten)
Bus 3, 34, 112, 640 – Steinstraße (2 Minuten)

Einige der neuen Arbeiten von Dirk Brömmel gehören zu seiner „Wächter“-Serie. Sie zeigen die Queen’s Guards in London, berittene Guards, die in einem tabernakelartigen Steingebäude verharren, daneben ein stehender Guard in einem hölzernen Unterstand. Brömmel interessiert die Porträtsituation. Die Bewegung der Guards wirkt eingefroren, wie bei Porträtaufnahmen von vor 100 Jahren. Die Bilder scheinen aus der Zeit gefallen, sich nur aus der Tradition heraus zu erklären, aber im Ausschnitt und der Fokussierung auf die Haltung, die Freistellungen des Motivs wirken sie modern. Was wird hier eigentlich bewacht?
In seinen neuen Arbeiten aus der Serie „Impuls“ geht es um Antennen, eine aussterbende Spezies, die sich in Brömmels Fotografien als Skulpturen auf Dächern darstellen. In den neuen Arbeiten geht es nicht mehr um die grafische Wirkung wie die Fortsetzung der Bewegung im Äther, sondern um die Situation der Aufstellung im Raum. Die Architektur erscheint als Bühne. Sie ist wieder freigestellt und ganz oder teilweise negativ gesetzt, wodurch die Fotografien zwischen Abstraktion und Konkretion schweben.

Der Titel der Serie „Not like this?“ ist die Antwort von Valentin van der Meulen auf einige seiner Galeristen, die seine Kohlezeichnungen, in denen er Motive aus den Medien und dem Internet ins Große zieht, schon so perfekt fanden, dass jede Übermalung oder Auslöschung überflüssig schien. Mit selbst zugeschnittenen Holzbesen trägt er in breiten Bahnen schwarze Acrylfarbe über die Zeichnungen auf Papier auf. Er spricht von „gestes“, deren seidig glänzenden Oberflächen und vielen parallelen Linien den Gegensatz zu der porösen, matten Kohlezeichnung suchen. Auch bei ihm wird die fotorealistisch wirkende Realität der Zeichnung durch teilweise Übermalung mit Acrylfarbe gebrochen und lässt die Abbildung zwischen Abstraktion und Konkretion wirken.

Auf der Empore treten in Kabinettsituation Zeichnungen von Bea Emsbach und Kyung-hwa Choi-ahoi in Dialog: Emsbachs rote Aquarelle, die von Goyas „Los Disparates“ inspiriert sind, ihre Statuetten aus Polymerkeramischer Masse und die surreale Traumelemente verarbeitenden Bleistiftzeichnungen von Kyung-hwa Choi-ahoi. (…)

Quelle: Galerie Hengevoss-Dürkop. Motive (parts of the original image): © Valentin van der Meulen, Not like this 11, 2018, Kohle, schwarzer Stein, Acryl, Papier montiert auf Holz, 200 x 200 cm. Dirk Brömmel, Wächter, 2020, Mixed Media auf Aludibond, 150 x 109cm, gerahmt.

Eröffnung: Fr, 07. Februar, ab 18.00.
Mi bis Fr 14.00 bis 19.00, Sa 12.00 bis 15.00 u.n.V.

www.hengevossduerkop.de

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Im Februar  zeigt die Galerie eine besondere Malereiausstellung. In Zusammenarbeit mit den Künstlern Stefan Vogel und Sebastian Gögel wurden 23 junge Maler/innen aus ganz Deutschland eingeladen, ihre Arbeiten zu zeigen. Seit nunmehr 21 Jahren ist junge, moderne Malerei fester Bestandteil des Ausstellungsprogramms und hat eine Vielzahl aufstrebender Maler/innen ihrer Generation gezeigt. Alle Künstler/innen der Ausstellung „Heute ist morgen vorbei“ werden auch bei der Jetzt!-Ausstellung in den Deichtorhallen zu sehen sein, die am 13. Februar eröffnen wird.

In der Galerie wird eine große Bandbreite heutiger Malerei gezeigt, von abstrakten und gegenständlichen Arbeiten, Werken in denen die Grenzen zwischen Malerei und Zeichnung verschwinden, bis hin zu skulpturalen Werken. Die große Jetzt!-Ausstellung, die schon in Bonn, Chemnitz und Wiesbaden zu sehen war, wandert im Februar in die Hamburger Deichtorhallen und zeigt dort Werke von über 50 zeitgenössischen Maler/innen. Viele der gezeigten Künstler/innen waren in der Vergangenheit in Ausstellungen bei Feinkunst Krüger zu sehen und so wurde die Jetzt! zum Anlass genommen Künstler/innen einzuladen, ihre Arbeiten auch im Galeriekontext zu zeigen.
Galerien können als Grundstein von Künstler-Laufbahnen gesehen werden und sind oft der erste Schritt in Richtung musealer Aufmerksamkeit. (…)

Die teilnehmenden Künstler/innen:
Paula Baader – Viola Bittl – Peppi Bottrop – Benjamin Dittrich – Jens Einhorn – Pius Fox Lukas Glinkowski – Sebastian Gögel – Henriette Grahnert – Dana Greiner – Sumi Kim – David Lehmann – Benedikt Leonhardt – Monika Michalko – Bastian Muhr – Anna Nero – Alexander Pröpster – Franziska Reinbothe – Daniel Rossi – Moritz Schleime – Daniel Schubert – Stefan Vogel – Jonas Weichsel.

Quelle/Text: Feinkunst Krüger. Motive (parts of the original image): Moritz Schleime

Vernissage: Sa, 08. Februar, ab 20.00.
Do und Fr 12.00 bis 19.00, Sa bis 18.00 (Änderungen sind möglich).

www.feinkunst-krueger.de

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Quelle: xpon art. Motiv (part of the original image): Penny Monogiou „Birth of Venus“, 2018. Regine Wolff.

Vernissage: 13. Februar, ab 20.00.
Finissage: So, 15. März, 11.00 bis 16.00 mit Künstlerbrunch.
Sa bis Di, 18.00 bis 21.00 und nach Vereinbarung (Änderungen möglich).

www.xpon-art.de

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500 Werke von 53 Künstlern und Künstlerinnen sollen an vier Standorten einen Überblick über den aktuellen Stand der jungen in Deutschland entstandenen Malerei geben. Im Kunstmuseum Bonn, dem Museum Wiesbaden und den Kunstsammlungen Chemnitz – Museum Gunzenhauser werden bis zum 19. Januar 2020 die teilnehmenden Künstlern und Künstlerinnen mit jeweils mindestens drei Arbeiten parallel ausgestellt. Eine Auswahl der Werke mit über 150 Werken wird dann ab dem 14. Februar 2020 in den Deichtorhallen Hamburg zu sehen sein. Drei zentrale Prämissen leiten dieses Ausstellungsprojekt: Erstens geht es um die Malerei als Bild, also nicht um installative oder multimediale Erweiterungen des Mediums. Die zweite Prämisse betrifft das Alter der Teilnehmer*innen und konzentriert sich auf die Generation der seit den späten 1970er-Jahren geborenen Künstler*innen. Die dritte Voraussetzung betrifft den geografischen Rahmen der Ausstellung. Dass dieser sich auf Deutschland beschränkt, resultiert allein aus der Notwendigkeit, das Untersuchungsgebiet überschaubar zu halten. (…)

Mona Ardeleanu, Israel Aten, Paula Baader, Lydia Balke, Cornelia Baltes, Jagoda Bednarsky, Viola Bittl, Peppi Bottrop, Andreas Breunig, Paul Czerlitzki, Benjamin Dittrich, Jens Einhorn, Jenny Forster, Pius Fox, Max Frintrop, Sabrina Fritsch, Ina Gerken, Fabian Ginsberg, Gregor Gleiwitz, Lukas Glinkowski, Sebastian Gögel, Henriette Grahnert, Dana Greiner, Vivian Greven, Toulu Hassani, Sabrina Haunsperg, Franziska Holstein, Aneta Kajzer, Sumi Kim, Maximilian Kirmse, Li-Wen Kuo, David Lehmann, Benedikt Leonhardt, Florian Meisenberg, Monika Michalko, Hannes Michanek, Simon Modersohn, Bastian Muhr, Anna Nero, Moritz Neuhoff, Vera Palme, Alexander Pröpster, Franziska Reinbothe, Daniel Rossi, Markus Saile, Moritz Schleime, Jana Schröder, Daniel Schubert, Kristina Schuldt, Alicia Viebrock, Stefan Vogel, Jonas Weichsel, Tristan Wilczek.

Parallel zur Ausstellung JETZT! JUNGE MALEREI IN DEUTSCHLAND wird das Projekt QUADRO mit Arbeiten von Kerstin Brätsch, Kati Heck, Stefanie Heinze und Laura Link gezeigt. Die Ausstellung wurde unabhängig von der JETZT!-Ausstellung zusammengestellt und ist als Antwort auf die vorhergehende Ausstellung DIE JUNGEN JAHRE DER ALTEN MEISTER mit Werken von Georg Baselitz, Anselm Kiefer, Sigmar Polke, und Gerhard Richter, zu sehen. Was dort an Grundlagen der deutschen Malerei zu sehen war, wird hier in die Gegenwart überführt.

Die Ausstellung QUADRO beantwortet beispielhaft die Frage, welche Formulierungen, Formeln und Symbole  die Malerei aktuell geschaffen hat, um die Betrachter in figurative, neo-surrealistische oder experimentelle Bilder zu ziehen. (…)

Der Kunstverein in Hamburg zeigt die erste deutsche Einzelausstellung von Matheus Rocha Pitta (*1980 in Tiradentes, lebt und arbeitet in Berlin und Rio de Janeiro). In seinen Skulpturen verwendet er häufig Zeitungsausschnitte aus seinem Archiv, die unterschiedliche alltägliche Gesten zeigen. Er verwendet sie in gegossenen Betonplatten verschiedener Größen und Formen, auf denen er das Material zu mehrschichtigen Kompositionen anordnet. Als Artikulationen von Körper und Sprache haben diese Gesten weitreichende ethische und politische Implikationen. Mit seinen versteinerten Collagen konstruiert Rocha Pitta Geschichten, Erinnerungen und Szenarien, die verschiedene Formen von Autoritarismus, Fehlinformation, Ausbeutung und Ungerechtigkeit reflektieren und sich ihnen widersetzen.

Quelle: Kunstverein in Hamburg. Motiv (part of the original image): © Matheus Rocha Pitta

Eröffnung: 14. Februar, 19.00
Di bis So und an Feiertagen 12.00 bis 18.00 (Änderungen möglich).

www.kunstverein.de

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Die Ausstellung ist ein Blick in digitale Strukturen, hinter die Kulissen der Realität und in kollektive Wahrnehmungen.  In der galerie postel wird die Wirklichkeit auf die Probe gestellt: Sebastian Neubauer, Daniel Vier und Svenja Wassill hinterfragen in ihren Arbeiten unsere Wahrnehmung. Was ist Assoziation, was Realität? Und was der (virtuelle) Raum dazwischen?
Was könnte harmloser sein als eine weiße Plüschfigur? Und was lieblicher, als eine Melodie? Svenja Wassills Gizmos wären so niedlich wie das Original aus dem Film Gremlins von 1984, hätten Sie denn ein Gesicht. Die Künstlerin spielt mit der zweiten Ebene, dem Unheimlichen und Unterbewussten.
Daniel Vier erweitert seine Gemälde um die Dreidimensionalität des Reliefs. Seine architektonisch angelegten Abstraktionen spielen mit der Illusion von Perspektive und Raum und was wie archaische Strukturen wirkt, hat seine Assoziation in den Architekturen der digitalen Welt.
In Sebastian Neubauers Arbeiten trifft Trash auf Pop- und Hochkultur. Er überführt Alltagsgegenstände in die griechische Mythologie, das Internet in den Galerieraum und holt das Twittern zurück in die Vogelwelt.

Quelle: Claudia Postel Galerie. Motiv (part of the original image): © Sebastian Neubauer, Daniel Vier

Eröffnung: Mi, 19. Februar, 19.00
Mi, Fr ab 17.00. Do ab 20.00. Sa ab 15.00
www.galeriepostel.de

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Zur Eröffnung der neuen Galerieräume in Rothenburgsort zeigt Michael Peltzer eine neue Werkreihe. In „Drive me crazy“ thematisiert der Maler ikonische Autos der Filmgeschichte. Von Herbie (1968) dem VW Käfer bis zum Batmobil (1966) – Peltzer hegt seit langem eine Faszination für die motorisierten Vierräder aus Kultfilmen. Wer sein Werk kennt, weiß um das wiederkehrende Motiv des Filmstills im Allgemeinen als Vorlage für seine Arbeiten. Aber auch Modellzeichnungen dienten dieses Mal als Recherche für Bilder wie Twinkle Little Star, welches den beunruhigend rot leuchtenden Plymouth Fury aus Stephen Kings Christine (1983) zeigt. Anders als bei den Filmstills von Cindy Shermann geht es Peltzer nicht um das Herunterbrechen visuell pointierter filmischer Realitäten, sondern im Gegenteil um die Überspitzung ihrer Ikonizität.

Das Automobil als Protagonist in der Kunst kann man in Anbetracht der aktuellen Klimadebatte thematisch nicht zeitgemäß finden – für Michael Peltzer ist es jedoch der passende Zeitpunkt sich mit diesem Sujet auseinanderzusetzen. Die Autoindustrie ist im Wandel, es geht um Perspektivenwechsel und Innovation. In der Shareconomy verliert das Auto schon jetzt seine Bedeutung als Statusobjekt, doch in den Herzen der Oldtimerliebhaber wird es seine Rolle als Ikone wohl niemals verlieren. Michael Peltzer rückt ausgewählte Modelle ins Spotlight und widmet ihnen einzigartige Portraits. (…)

Ausserdem zu sehen: Werke von Lev Khesin und Lukas Glinkowski.

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Quelle: Fabrik der Künste. Motiv (part of the original image): © Ulf Harten

Eröffnung: Di, 25. Februar, 19.00, Einleitung: Corny Littmann, Musik: Stefan Gwildis
Finissage: So, 08. März 16.00
Di bis So 14.00 bis 19.00

www.fabrikderkuenste.de

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Mit seinen illustrativen, comicähnlichen Acrylbildern spannt Christian Junghanns einen Bogen zwischen analoger und digitaler Zeichnung und kombiniert Computergeneriertes mit flächiger Malerei. Junghanns Motive sind dabei vielfältig. Ob Landschaftsbilder, Porträts oder auch Kassenbons oder schottische Tartans – Christian Junghanns prescht leichtfüßig, farbenfroh und gleichwohl reduziert voran und schafft Werke, die sich oftmals erst vollständig im Kopf des Betrachters zusammensetzen.

Geboren wurde Junghanns in Hannover, studierte Visuelle Kommunikation an der Hochschule für Bildende Künste in Berlin und arbeitet heute als freier Künstler und Gestalter in München. Seine Bilder werden national und international ausgestellt, unter anderem bereits mehrfach in der Royal Academy of Arts in London. Dass Junghanns auch richtig große Formate bedienen kann, hat er in Hamburg bereits unter Beweis gestellt. Fünf jeweils 400qm² große Asphaltzeichnungen von ihm finden sich in der Hamburger Hafencity. Für seine Werkschau im Oberfett an der Großen Elbstraße wird es etwas kleiner. (…)

Quelle: OBERFETT. Motiv (part of the original image): © Christian Junghanns

OBERFETT
Vernissage: Fr, 28. Februar 2020, ab 19.00
Öffnungszeiten: Sa, So 12.00 bis 18.00 und nach Vereinbarung (Kontaktmöglichkeiten s.u.).

www.oberfett.de
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Über OBERFETT: Mit einer eigenwilligen Kunstsammlung, neuen Themen und spannenden Künstlern eröffnete Christian Pfaff 2016 den interdisziplinären Schauraum OBERFETT als Ort der Möglichkeiten. Gezeigt wird, was gezeigt werden muss – und nicht zwingend das, was markttauglich ist. Im Fokus des ambitionierten Ausstellungsbetriebs stehen Ideen, Konzepte und Chancen interessanter Kunst im Dialog. In den neuen Räumlichkeiten an der Großen Elbstraße in Hamburg-Altona werden ab Januar 2020 auf knapp 300 Quadratmetern sowohl Künstler aus Altona, Hamburg, Deutschland als auch internationale Kulturschaffende zu sehen sein. Die kommenden Veranstaltungen Hamburgs größter Off-Galerie werden von Ausstellungen, Events, Lesungen, Artist-Talks bis hin zu Filmvorführungen, Kammerkonzerten und Performances reichen.

Die Gruppenausstellung setzt sich mit dem Stilmittel „Grisaille“ auseinander, also der Malerei in Schwarz, Weiß und Grau, sowie die SW-Wiedergabe in Video-, Film- und Fotokunst. Diese scheinbare Begrenzung hat zu überraschenden Ergebnissen geführt, wie etwa in Michael Flumes künstlerischem, in einem SM-Studio gedrehten Kurzfilm, in dem mit vielfachen Überblendungen das Eindeutige ins Dunkel-Poetische gebrochen wird. Während Franziska Pack in einer Live-Performance die Herausforderung angeht, der Farbe so radikal wie irgend möglich zu entsagen, wirkt dieses Kunststück in der kleinen Grafik der Elphi von Gerd Brunzema wie ein vorzüglicher Spaß. Das Weglassen alles Farbigen findet in der konzeptuellen Arbeit von Emil Kowalcyk, die gegossen ist aus einem 10-Liter-Eimer Alpinaweiß, ihre minimalistische Pointe. (…)

Insgesamt sind 15 KünstlerInnen aus Norddeutschland und Berlin dabei; Ulrike Bolenz reist aus Belgien an und Michael Flume aus der Schweiz, um in der Galerie die Premiere seines Kurzfilms zu feiern.

Ulrike Bolenz, Michael Flume, Pittjes Hitschfeld, Christine Brey, Errkaa, Heiko Lietz, Patrick Wüst, Norbert Kretek, Uta Kathleen Kalthoff, Hannes Fleckstein, Johanna Spieker, Bernadette Kopp, Karen Vieluf, Frieder Falk, Franziska Pack, Emil Kowalczyk, Gerd Brunzema.

Quelle: BUNKERHILLGalerie, Kerstin Rose. Motiv (part of the original image): © Ulrike Bolenz „Gruppe mit Laura“

Vernissage: Sa, 29. Februar, 18.00. (Bunker 5. Stock)
Mi bis So 17.00 bis 20.00 (Änderungen möglich).

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